Gwen, le livre de sable, è un film d’animazione fortemente sperimentale, avvolgente e affascinate. L’arte del francese Laguionie (vincitore nel 1978 della Palma d’Oro per il miglior cortometraggio con La traversée de l’Atlantique à la rame) ha un’impostazione fortemente pittorica: surrealista nel ricordare De Chrico e Dalì, caldo nei colori pieni e il tratto morbido del volto ampio della sua protagonista, vicino a Gaugin.
I sessanta minuti di Gwen sono soprattutto l’immersione in un mondo fantastico, bellissimo e ostile, una terra postapocalittica diventata un bruciante deserto. Il popolo che la abita, elegante e longilineo, cammina su lunghi trampoli per muoversi più velocemente e tenersi lontano dalla sabbia rovente, lotta contro il vento incessante che porta sinfonie di archi e trasmette un’onirica idea di leggerezza.
Pur essendo libero sia visivamente che nella costruzione della storia, Gwen è un film pienamente narrativo, che riempie le ellissi del racconto creando delle situazioni istintivamente emozionanti, romantiche o angosciose. La voce narrante, quella della donna più anziana della tribù, recita testi evocativi quanto le immagini, in una libera corrispondenza che ricorda il lavoro di Chris Marker.
Attraversato il deserto misteriosamente ricolmo di enormi oggetti d’uso quotidiano (telefoni, annaffiatoi…), la soluzione di Gwen ha un sapore criticamente grottesco, estremamente concreto rispetto a un lavoro che non ha intenzione di essere pure estetica o arte figurativa.
(4/5)
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Lorax è il nuovo lungometraggio prodotto dalla Illumination Entertainment, la casa che nel 2010, neonata, si fece subito notare col grande successo di 
Riallacciandoci al 3D, questo è stato l’oggetto dell’incontro che ha seguito la proiezione, e ha visto come protagonista Joshua Hollander, direttore del 3D di un’altra grande casa americana d’animazione, la celeberrima Pixar. Hollander, affabile e disponibile, ha trattato l’argomento con un approccio piuttosto tecnico, mostrando e ripercorrendo i passaggi che stanno portando alla riproposizione in 3D del catalogo Pixar.
Chico & Rita è l’ultimo film della serata, una produzione spagnola del 2010 firmata Tono Errando, Javier Mariscal e Fernado Trueba. “Il futuro non mi ha mai dato niente. Tutte le mie speranze sono riposte nel passato” è la frase fulminante, che indica quale sia lo spirito di Chico & Rita. A pronunciare queste parole è Rita, una bellissima cantante che ne L’Avana del 1948 comincia una travagliata e lunga avventura romantica con Chico, talentuoso pianista jazz. Il film è jazz, è blues, è la musica di Bebo Valdés e i disegni caldi e leggeri dai netti contorni neri, è nostalgia e occasioni perdute, è vanità, tradimento e amore incondizionato.
Makoto Shinkai è l’autore di 5 Centimetri al Secondo, animazione sentimentalissima che nel 2007 ebbe totale approvazione da parte dei cultori del settore, e che a me convinse assai poco. Children who Chase, uscito a maggio in Giappone e già in bluray in molta parte dell’occidente, è un lavoro più vario e interessante. La volontà del giovane Makoto di proporsi come nuovo Miyazaki è evidente, e tutto sommato la cosa sembra riuscirgli meglio degli adepti nello Studio Ghibli.
Una manciata di parole prima che questi noir si perdano nella memoria – come lacrime nella pioggia, manco a dirlo. Il Cattivo Tenete ferrariano l’ho visto ere fa, l’impressione è che non abbia troppo da spartire con la versione di Herzog, dal punto di vista estetico e neanche da quello contenutistico. Dall’indagine d’obbligo sulla reazione di Abel, pare che il regista non sia stato felicissimo dell’operazione; come siano riusciti a distillare un’idea interpretabile da uno degli uomini più precari del mondo è una storia che non ho avuto ancora occasione d’approfondire. Il Cattivo Tenente di Herzog è l’alluvionata New Orleans, in una storia che si allontana dal moralismo mistico di Ferrara per anticipare l’atmosfera irreale e l’ambiguità eterea che faranno il capolavoro 
Primo film di Michael Mann per il cinema Thief – Strade Violente, insegna cose ancora a trent’anni di distanza, e 
Renaissance è un progetto franco-europeo lungo dal 1998 al 2006, anno in cui ha visto la luce e vinto il festival internazionale dell’animazione di Annecy. Da Blade Runner in giù, passando anche per cose come Akira e Sin City, si può ritrovare tutto in Renaissance. È un film in bianco o nero, in gran parte girato live e trattato in modo da ridefinire le figure in una contrapposizione netta fra luci e ombre. Ha un suo fascino soprattutto visivo, nell’immersione in una metropoli fatta di schermi pubblicitari che ti seguono con lo sguardo, pavimenti trasparenti, riflessi, pioggia e serre in cui vengono custoditi grossi alberi. La città è una sorta di enorme centro commerciale, e attorno alle figure affannate dei protagonisti la gente si muove silenziosa, ordinata e appena esistente. Renaissance non è tutto rose e fiori, il ritmo dell’azione non è particolarmente incalzante e la storia è meno riflessiva e complessa di quanto sia convinta di essere. In una struttura piuttosto verbosa, il motore del tutto rimane limitato all'enunciazione perentoria, discutibile e non discussa, "senza morte la vita non ha senso". Rimane un film interessante, com'è necessariamente un noir fantascientifico d'animazione in bianco o nero. (3/5)
Due ghibli, altrettante palle. Con buona pace del fanciullino di chi non sta nella pelle per l’ammirazione della magica magia dello studio giapponese, e che diventa feroce e aggressivo quando gli si fa notare che Miyazaki da dieci anni è in inesorabile discesa. Naturalmente Arrietty, nonostante i goffi tentativi pubblicitari di lasciar credere il contrario, non è opera di Hayao, che compare come sceneggiatore nella trasposizione di “The Borrowers” di Mary Norton, già I Rubacchiotti in un misterioso film con John Goodman del 1997. La trasposizione dalla Londra dei anni ’50 alla Tokyo contemporanea (o meglio, a una villa con giardino della Tokyo contemporanea) è affidata a Hiromasa Yonebayashi, già animatore per molte opere dello Studio e ora giovane regista. Lo stile ricalca fedelmente ed efficacemente quello del maestro, fino a un certo conformismo un po’ inquietante. Le immagini sono fluide e belle, ma il racconto ha il respiro corto e non è paragonabile alla semplice complessità di capolavori come Mononoke e La Città Incantata. Con incedere tartarughesco il film segue la piccola Arrietty nel gigantesco mondo degli umani, fra un certo numero di personaggi irritanti, sfumature drammatiche gratuite e autocitazioni, fra gli altri, da Conan, che è roba d’altri tempi. Ci si può far uscire il sangue dal naso ritrovando messaggi edificanti, ecologisti e di comprensione del diverso, ma il film rimane noioso.
Ad essere sincero una quota d’insofferenza verso questo recente Arrietty è dovuta alla visione di poco precedente di un altro film riconducibile, stavolta per intero, al secondo padre della Ghibli Isao Takahata. Omohide Poro Poro, o Only Yesterday o Gocce di Memoria è il suo lungometraggio del 1991 ed è devastante. L’animazione è curata e realistica, ma se per i primi venti minuti le vicende quotidiane della giovane donna Taeko, in flashback bambina alla scoperta della normalità, possono essere sopportabili, per i restanti cento la cosa si fa difficile da gestire. La metà adulta della storia è interamente opera di Takahata, che integra in questo modo un manga di Okamoto e Tone. Non sarò entrato in sintonia con la prolungata bellezza dell’elegia alla vita contadina che diventa esistenza vivida e reale rispetto quella artificiale e superficiale che impone la metropoli, ma la protagonista risulta così scarsamente simpatica e la sua storia così annacquata che avrebbe potuto anche autoinvestirsi con un trattore senza lasciarmi spendere una lacrima. 
Anche Jim Jarmusch sta facendo il suo film coi vampiri. "Una cripto storia d'amore fra vampiri, ambientata nella desolazione romantica di Detroit e Tangeri". Dando come fatte le considerazioni inevitabili sull'inflazione che ha travolto i succhisangue, letti e riletti, ibridati e depurati, prendiamo anche per buone le affermazioni del regista che mette le mani avanti dichiarando d'aver pensato alla cosa parecchi anni fa. Poi, io di jarmusch mi vedrei anche un documentario sui pancake e Ferrara nel 1995 con The Addiction già ci mostrava come dall'argomento vampiri si possa distillare di tutto (nel suo caso, un capolavoro). Nel film jarmuschiano ancora senza titolo Michael Fassbender, Mia Wasikowska che già m'era sembrata brava e infatti eccola qui, e l'ormai immancabile Tilda Swinton.
Un giorno scriverò sul club The Sons of Lee Marvin; raccolsi della documentazione, poi quando meno me l'aspettavo mi sono rotto le palle.
Il dualismo freddo e allucinato attorno a cui si avvitano le opere di Satoshi Kon, ha già una forma compiuta e disturbante in questo primo lungometraggio. Con l’eccezione del travestito Hana in Tokyo Godfathers, che racchiude consapevolmente due anime ed è un personaggio più pacificato che si adatta bene al bellissimo film natalizio dell’artista giapponese, per il resto, dalla serie Paranoia Agent all’ultimo Paprika, al centro della scena c’è sempre una figura femminile intimamente sdoppiata, in confusione tra una fragile immagine pubblica e un miscuglio interiore di aggressività e sensualità che lotta per prevalere. L’ambiguità del personaggio è esasperata e viene spinta a manifestarsi da un mondo che ne rispecchia le patologie, così tutto finisce per assumere la sostanza di un’inquietante immagine distorta, spesso indecifrabile nel suo complesso ma del tutto significativa e immediata nella angosce sottili che caratterizzano i dettagli.
(4/5)
Rango è parodia, classicità, spaghetti western, citazioni e animali antropomorfi. La lucertola protagonista parte con una camicia hawaiana e chiude col poncho di Eastwood, attraversando una storia dall’animazione realistica nella resa delle scene e dei dettagli e fantasiosa nella trasfigurazione dei personaggi. I riferimenti sono adulti, quando sulla strada si rischia d’essere investiti anche da Hunter Thompson e il suo avvocato, e la storia, di per sé molto semplice, si lascia spesso andare a digressioni allucinate, i momenti migliori e più originali. Verbinski, solo relativamente nuovo all'animazione considerando le numerose parti in computer grafica dei vari Pirati dei Caraibi (che in alcune occasioni condividono il deserto e la consistenza del mondo di Rango), raggiunge un risultato affascinate anche se coinvolgente a metà, con un film bello da vedere e ricco di spunti interessanti, ma che si muove sempre su un intreccio canonico e prevedibile. 
Summer Wars è una creatura di Mamoru Hosoda, già alla direzione di 
(3,5/5)
La ricerca del fascino del villain di 
Il fatto che più del film si finisca quasi sempre per discutere dell’inquadramento dello stesso nella carriera di Allen, la dice abbastanza lunga su Incontrerai L’Uomo dei tuoi Sogni. Pur elegante e tutto sommato scorrevole, You Will Meet a Tall Dark Stranger pare sostituire gli appuntamenti dal terapista; adagiato negli sguardi e gli ambienti borghesi, nelle vicende appena vivacizzate da imprevisti che sembrano lasciati in sospeso più per sopravvenuta noia del suo ideatore, che per un reale e significativo disegno autoriale.
Panico al Villaggio è un film belga dell’anno scorso, animato con i personaggi di plastica che i bambini usano per dare corpo alle loro storie. Le figure si muovono ciondolando come se ci fossero delle dita a prenderli e a simularne il passo, impacciato dalla pedana che serve a tenerle in piedi. La libertà con cui si inseriscono nuovi personaggi per dare corpo a una storia che vaga per vari mondi in assenza di leggi fisiche e narrative è stata generalmente molto apprezzata, io ho trovato grosse difficoltà a reggere i 70’ di sostanziale noia. Si assiste a un gioco eterodiretto, in scenari fantasiosi ma elementari nella realizzazione, come si assisterebbe a un’ora abbondante di svago infantile. Mentre i bambini giocano sul tappeto coi soldatini solitamente i grandi bevono rum, escono al freddo a fumare e parlano dei mali del mondo. (2/5)
Il Texano dagli Occhi di Ghiaccio l’ho recuperato quando è nata l’esigenza di un film fatto a forma di film, dopo una serie di visioni deludenti oltre ogni previsione. Questo Eastwood del ’76 ha svolto perfettamente il suo compito: un western lineare, ironico, bello a vedersi, con una storia violenta ma anche più “ottimista” della media, un classicone senza dover ricorrere a sovrainterpretazioni. (4/5)
